Playlist Disco : 50 chansons incontournables pour faire la fête

Les générations se succèdent depuis la sortie du morceau en 1979. Pourtant, on le retrouve invariablement dans la playlist disco de tous les DJs populaires, tel un fil rouge de l’ambiance. Il est vrai que « Ring My Bell » est remarquablement bien produit, avec l’apport d’une batterie électronique et aussi grâce à des arrangements audacieux pour l’époque (notamment ce fameux son de carillon). Mais ce qui semble le rendre irrésistible est sans nul doute l’interprétation d’Anita Ward, sensuelle et maîtrisée, empreinte d’un charme magnétique. La connotation sexuelle de « Ring My Bell » est aussi évidente que perceptible. Une tension érotique, qui se dissimule sans jamais mettre mal à l’aise, et qui semble être la clé d’un tel succès planétaire. Lequel était écrit à l’origine pour une adolescente. D’ailleurs, Ward n’aimait que très moyennement cette chanson, tout en étant à l’initiative des paroles plus « adultes » que celles de la première version.

Si le disco est devenu un mouvement planétaire dans les années 70, il le doit en grande partie à un film culte et à son indémodable bande originale : « La Fièvre du samedi soir ». John Travolta, torse bombé et doigt pointé vers le ciel, y lançait sa magnifique carrière dans le rôle d’un clubber. Les frères Gibb y signaient l’une des BO les plus vendues de tous les temps, avec des classiques comme « Stayin’ Alive » ou « Night Fever ». Des productions particulièrement soignées, où cohabitent rythmes entraînants et harmonies vocales de haute volée, dans une dynamique toujours positive et optimiste. Un choix facile, donc, pour votre sélection musicale festive. N’oublions pas, sur cette même bande originale de Saturday Night Fever, Walter Murphy qui réussissait l’improbable pari de nous faire danser sur une interprétation disco de la Symphonie n° 5 de Beethoven (« A Fifth of Beethoven ») !

Le raz-de-marée Donna Summer commence en 1975, avec la sortie du maxi disco « Love to Love You Baby ». Les clubs gays acclament déjà celle qui deviendra bientôt « The Queen of Disco ». Deux ans plus tard, Giorgio Moroder lui compose le titre qui fait mouche : « I Feel Love ». Le disco synthétique vient de naître. Entre 1978 et 1980, Donna Summer surclasse les charts et reçoit une avalanche de distinctions, portée par des tubes d’une efficacité redoutable et par de nombreux remixes. Casablanca Records lui permet d’écorner une image jugée trop marketée en signant, en 1979, un album sans équivoque : « Bad Girls ». C’est ce disco-là qui nous intéresse : un disco marqué par une influence rock, avec le délicieux « Hot Stuff » et son solo de guitare ravageur. Les amateurs du film « The Full Monty » (1997) apprécieront.

Face B d’un single censé marquer le retour en grâce de Gloria Gaynor en 1978, la chanson « I Will Survive » a rapidement été érigée en hymne de la communauté gay, avant de devenir celui des stades en 1998. Le tout autour de paroles foncièrement féministes! Dans la forme, on appréciera surtout les arrangements de cette belle chanson, mêlant une section rythmique live très serrée à des cordes majestueuses et des cuivres discrets. Une énergie dansante et une ampleur orchestrale qui forment un ensemble parfaitement calibré pour faire la fête.

Porté par un leitmotiv irrésistible, « My Sweet Summer Suite » déploie la signature symphonique de Barry White. Entre élégance orchestrale et élan dansant, c’est l’un des instrumentaux les plus aboutis de la Love Unlimited Orchestra. On le privilégiera en début comme en fin de soirée, ou pour rythmer un temps fort autour d’une boule à facette.

« Let’s All Chant », improbable classique de l’ère disco, est signé par un professeur de piano de formation classique ! Rien ne prédestinait Michael Zager à livrer un tube taillé pour les clubs. Après avoir observé le gimmick des fêtards new-yorkais à l’été 1978, le fameux « ooh, ooh », un ancien directeur artistique l’incite à exploiter le filon. Le morceau prend forme rapidement, cochant tous les codes de la disco. Craignant la facilité, Zager insuffle une dimension baroque qui change tout : il ajoute notamment un solo de trompette piccolo et un break façon musique de chambre, qui, aujourd’hui encore, tranche avec les productions de l’époque.

Afro-américain, gay et genderfluid, Sylvester James a subi une vie d’humiliations et de rejets. Pourtant, rien ne semblait ébranler cet artiste et showman né, militant de la première heure, qui s’installe à San Francisco pour exprimer pleinement qui il est. C’est là, au sous-sol d’un club disco, qu’il rencontre Patrick Cowley, musicien amoureux des synthétiseurs, déjà remarqué pour son remix de « I Feel Love » de Donna Summer. Cowley souhaite retravailler une chanson soul que Sylvester répète pour amorcer sa carrière solo. Il fera de ce titre, somme toute basique à l’origine, la matrice d’un nouveau genre dérivé du disco : la Hi-NRG. Cette chanson s’intitule « You Make Me Feel (Mighty Real) ». La suite appartient à l’histoire : un raz-de-marée mondial qui a laissé une trace indélébile dans la dance music.

Nombre d’artistes en vogue ont tenté de se réapproprier le Latin Hustle. Une danse en ligne prisée des adolescents portoricains du South Bronx au début des années 1970. Les clubs new-yorkais en furent les premiers laboratoires, témoignant d’une ferveur singulière à l’heure où le disco s’apprêtait à exploser. Et si The Fatback Band ou James Brown ont tenté de surfer sur la tendance, le créateur de l’hymne du Hustle était une figure de l’ombre de l’industrie musicale : Van McCoy. Avec sa magnifique intro et ce petit riff de piccolo si distinctif, McCoy signait le meilleur morceau instrumental que les amateurs de Hustle pouvaient espérer. Un indispensable pour toute bonne playlist disco, mais aussi l’unique succès mondial d’un artiste disparu bien trop tôt.

En 1979, Quincy Jones est au sommet de son art lorsqu’il s’attaque aux arrangements de « Stomp! ». Il vient de parachever l’un des meilleurs albums pop de tous les temps : le mythique Off the Wall de Michael Jackson. Une réalité qui en dit long sur le profil des frères Johnson. L’un est guitariste, l’autre bassiste, et ils sont suffisamment géniaux pour attirer l’attention de l’un des plus grands producteurs du XXᵉ siècle. Et, de toute évidence, ils n’ont rien à envier à Earth, Wind & Fire ou Chic, déjà superstars. Leur morceau, « Stomp! », est absolument irrésistible : une invitation à lâcher prise le samedi soir, portée par un groove imparable. Tout l’esprit d’une époque joyeuse et fertile transpire dans ce disco-funk dansant, au ton 100 % positif.

En 1974, le chanteur anglo-jamaïcain Carl Douglas et son producteur indien Biddu Appaiah cherchent une face B pour leur 45 tours de soul à venir. La mort récente de Bruce Lee, icône des films de kung-fu alors en vogue, leur semble un filon à exploiter. Pourquoi ne pas tenter un clin d’œil disco, truffé d’onomatopées liées aux arts martiaux ? Un gag pas forcément de mauvais goût, d’autant que personne n’est réellement censé s’en soucier. Seulement, ce single de remplissage, sobrement intitulé « Kung Fu Fighting », va très vite envahir les dancefloors du monde entier et battre des records de vente. Une chanson qui détonne dans le paysage disco de l’époque, grâce à l’usage d’un riff inspiré de la culture musicale chinoise.

Un petit coup de cœur de Quel-DJ bien que ce morceau soit à classer parmi le genre disco qui s’écoute plus qu’il ne se danse. A privilégier donc pour vos ambiances.

À la guitare, Nile Rodgers. À la basse, Bernard Edwards. Ensemble, ils ont formé Chic, sans doute le groupe disco-funk le plus influent de l’histoire. Avec « Everybody Dance », « Good Times » ou « Le Freak », le duo enchaîne les classiques. « Good Times » entre même dans l’histoire en servant de base à « Rapper’s Delight » des Sugarhill Gang, l’un des premiers grands succès du hip-hop. Quant à « Le Freak », il naît d’un coup de colère après que Rodgers et Edwards se sont fait refouler à l’entrée du mythique Studio 54, le temple du disco new-yorkais. Leur « Aaaah… Freak Out! » improvisé deviendra un tube planétaire en 1978. Nile Rodgers poursuivra ensuite une brillante carrière de producteur auprès de David Bowie, Madonna ou Daft Punk, signant notamment l’inoubliable « Get Lucky ».

Loin de l’univers du clubbing, les membres de Chicago s’identifiaient davantage à des rockers, voire à des musiciens de jazz. Se démarquant de la scène rock grâce à une section de cuivres rutilante et à des compositions particulièrement élaborées, ils réussirent pourtant à amorcer leur virage disco à la fin des années 70. À sa sortie en 1979, « Street Player » dépasse le simple cadre du succès commercial. Souvent considéré comme l’un des titres les plus réussis du genre, il n’a jamais cessé d’inspirer les producteurs. Génialement samplé par Kenny « Dope » Gonzalez pour The Bucketheads (« The Bomb! ») en 1995, puis par Pitbull en 2009, le célèbre riff de cuivres de « Street Player » continue d’exercer la même fascination sur chaque génération.

A la fin des années 70, Diana Ross est en quête d’un nouveau souffle. Institution de la soul music, elle mise sur la vision avant-gardiste du groupe Chic pour rajeunir son image sur les dancefloors. Le duo d’arrangeurs Rodgers/Edwards surfe alors sur la vague du succès, adulé par la jeunesse des discothèques. Mais en studio, rien ne se passe comme prévu. La diva estime que sa voix n’est pas assez mise en avant. Son label, Motown, confie finalement un nouveau mixage à l’ingénieur du son Russ Terrana sans l’accord de Chic. Malgré cette production mouvementée, le résultat dépasse toutes les attentes. « Upside Down » devient disque d’or aux États-Unis et s’impose rapidement comme un incontournable de toute bonne playlist disco. Il demeure l’un des plus grands succès de la carrière solo de la chanteuse afro-américaine, tout en incarnant parfaitement sa transition réussie vers le disco.

Du gros son, groovant à souhait grâce à une section de cuivre hors-pair. Avec « September », entre autres, « Boogie Wonderland » s’inscrit parmi les plus grandes réussites artistiques du groupe originaire de Chicago. Earth, Wind and Fire n’aura eu de cesse d’innover en instillant de manière subtile des éléments afro-caribéens ou sud-américains à une musique symphonique principalement tournée vers le funk. Les fans à la recherche d’une version club de plus de 8 minutes, pourront se pencher vers l’excellente compilation de DJ Reverend P, nommée The Legacy of Disco (Sony Music – 2016).

Comme de nombreux succès de l’ère disco, « What a Diff’rence a Day Makes » est une reprise. Grâce à ce dernier grand succès de sa carrière, Esther Phillips parvient même à éclipser, aux yeux d’une nouvelle génération d’auditeurs, la version originale issue du répertoire mexicain des années 1930. La voix éraillée de la chanteuse texane n’est alors pas inconnue du grand public américain : sous le nom de Little Esther, elle avait aligné plusieurs tops 10 Rhythm & Blues dans les années 50, avant une longue traversée du désert marquée par de lourdes addictions. Sa sensibilité et son vécu poignant enveloppent ici un rythme entraînant, sublimé en 1975 par les arrangements de l’illustre guitariste de jazz Joe Beck. Un classique raffiné que les DJs privilégieront pendant le cocktail ou en début de soirée, idéal pour suspendre le temps avant d’embraser la piste de danse.

En dépit d’une carrière plutôt confidentielle, Bohannon a révélé deux décennies plus tard à quel point sa touche était précurseur de ce qui sera plus tard la House Music. N’en témoigne que le sample tubesque de Paul Johnson (« Get Get Down »), mais que vous oublierez au profit de ce titre qui devrait figurer sur toute bonne playlist disco.

D’aucuns soulignent la voix profonde de Jean Carn, pétrie de soul et de gospel. D’autres saluent la signature du Philly Sound et ses arrangements symphoniques d’une élégance rarement égalée. Il n’en demeure pas moins que « Was That All It Was », produit par le duo McFadden & Whitehead, compte parmi les plus grands trésors oubliés du disco. Lorsque sort son maxi 12″ en 1979, il est rapidement adopté par les DJs new-yorkais. À la fois sexy et lancinante, la mélancolie amoureuse de ses paroles est sublimée par une énergie ultra-positive, joyeuse et dansante. Une merveille de soul-disco, portée par une ligne de basse redoutable et un break d’anthologie, que des pionniers de la house comme Frankie Knuckles exploiteront quelques années plus tard pour en faire l’un des piliers de la House Music. « Was That All It Was » constitue un choix idéal en warm-up comme lorsque les premiers danseurs investissent la piste.

Avant de devenir l’un des duos emblématiques du disco, Gene McFadden et John Whitehead ont longtemps œuvré dans l’ombre. Repérés pour leur talent d’auteurs-compositeurs et producteurs par les patrons du label Philadelphia International Records (Gamble & Huff), ils écrivent durant les années 70 pour les O’Jays ou Teddy Pendergrass. Lorsqu’ils décident de tenter leur chance au micro, Gamble & Huff doutent de leur capacité à percer comme interprètes. En réaction, ils composent l’hymne « Ain’t No Stoppin’ Us Now » qui devient en 1979 un succès phénoménal. Le morceau dépasse rapidement le cadre des pistes de danse pour s’imposer comme une ode à la résilience au sein de la communauté afro-américaine. À peine un an plus tard, de l’autre côté de l’Atlantique, la disco-funk italienne de Pino D’Angiò s’inspirera ouvertement de sa ligne de basse pour son célèbre « Ma Quale Idea ». Une pure coïncidence, selon l’intéressé…

Excellent Disco Garage où l’instrumentalisation est, pour notre plus grand plaisir, davantage mis en avant.

Une perle Disco, qui fut également le générique d’un show TV nommé « Soul Train » qui n’en était pas moins culte pour la communauté afro-américaine et autres amateurs de la culture Black.

Non seulement la musique est entraînante à souhait, mais l’interprétation qui l’accompagne est d’une performance rare. Un bijou disco.

Un morceau Soul Disco touché par la grâce et que vous aurez probablement envie de réécouter encore et encore .

Au sommet de la gloire, et quatre ans après l’inoubliable « Mamma Mia », le groupe le plus kitsch de Suède nous livrait ce tube pop aux accents disco. Vous voici parti sur de bonnes bases pour votre week-end disco !

Grâce à des mélodies très travaillées ainsi que des textes d’une efficace simplicité, Boney M va rencontrer un triomphe phénoménal durant plus d’une décennie. Pourtant le groupe disco-pop, formé à la va-vite, véhiculait une image qui serait très controversée aujourd’hui. Celle de trois femmes prosternées face à leur proxénète, lequel faisant également office de maître vaudou. Hymne intemporel de la fête, « Daddy Cool » n’est qu’un choix parmi d’autres « Sunny », « Rasputin » et « Rivers of Babylon ». Entre 1976 et 1985, le nombre de tubes de Boney M est tout simplement saisissant. « Kalimba de la Luna » ainsi qu’un best of, tous deux sortis en 1984, viendront parachever un parcours au déclin inéluctable. La mode étant désormais à la pop, comme celle proposée par les Allemands de Modern Talking.

À contre-courant d’un disco hypersexualisé et devenu très commercial, Marc Cerrone livre en 1977 l’un des grands manifestes de l’euro-disco orchestral. Dans le sillage des expérimentations électroniques de Kraftwerk et de Giorgio Moroder, « Supernature » se construit autour d’une boucle sombre et hypnotique. Façonnée sur un synthétiseur ARP Odyssey, cette mélodie envoûtante accompagne parfaitement la voix androgyne de Kay Garner. Plus proche d’une bande originale de film de science-fiction que d’un tube de club conventionnel, le morceau connaît pourtant un immense succès mondial. Exerçant une influence durable sur le space-disco puis sur la musique électronique, « Supernature » constitue un pont idéal pour amorcer une transition vers un set plus électronique. Un must-have pour votre playlist disco.

Enregistré en 1977, « Magnolias for Ever » est un morceau qui a fait les beaux jours du disco français. Il s’agit aussi du dernier succès ante-mortem d’un Claude François. Quelques mois plus tôt, la sortie de « Je vais à Rio » faisait déjà danser la France entière.

Unique succès de cet artiste français, mais qui hélas n’aura occupé par la suite qu’un rôle second dans d’innombrables compilations dédiées au Disco.

Avec ses nappes de synthétiseurs et ses expérimentations en quête d’un son electronic Disco, Giorgio Moroder produisait, en 1978, le mythique « Chase ». Une merveille qui devait servir le film Midnight Express, mais qui irradiera aussi les dancefloors. Malgré le temps qui passe, ce titre, qui doit être considéré comme le premier pilier de la culture Electro, semble n’avoir jamais pris une seule ride.

Véritables stars du disco entre 1979 et 1982, Patrick Jean-Baptiste et Annette Eltice s’imposent sur les pistes de danse du monde entier lorsque sort « D.I.S.C.O. ». Avec leurs combinaisons à paillettes vert fluo, les protégés de Daniel Vangarde (producteur de renom et père du cofondateur de Daft Punk) se paient même le luxe d’enregistrer le morceau en français comme en anglais. Aujourd’hui, ce titre trouvera naturellement sa place dans une soirée kitsch, autour d’une boule disco lumineuse et d’une bonne dose de second degré.

Un groove diabolique ainsi qu’une pointe d’excentricité qui peine à dissimuler un incroyable Giorgio Moroder aux commandes. Dans notre playlist disco ad vitam eternam !

Peut être le tube disco 70’s qui demeure parmi les plus populaires au monde. Unique succès de Patrick Hernandez, bien que « Disco Queen » ait connu un parcours honorable, le single apparu en 1977 avec sa version instrumentale. Une sortie qui précède par ailleurs l’énorme succès d’un autre français: Patrick Juvet. Avec « Où sont les Femmes » (écrit, produit par Jean-Michel Jarre) et « I Love America », la vie du natif de Montreux connaitra ses plus belles heures.

Dans les années 70/80, l’icône yéyé surfait sur la folle vague disco au même titre que Sylvie Vartan (Souvenez vous, « Disco Queen »…). Toujours accompagnée de ses trois danseurs noirs, Sheila accumulait de nombreux succès, souvent composés par Daniel Vangarde ou Jean Kluger (les producteurs du groupe Ottawan). Mais c’est le groupe Chic qui lui écrira son disco hit le plus notable: « Spacer ». Les fans de la star apprécieront certainement son medley, interprété en 1998, et qui vient comme pour clore la parenthèse dorée.

Avec ses costumes aux formes robotiques et une scénographie très portée sur le laser, le groupe français Space défrayait la chronique en 1977. Le public était au rendez-vous d’un genre space disco inédit, quasi orchestral, et dont le groupe Daft Punk reconnaîtra s’être largement inspiré pour la réalisation de son album « Random Access Memories ». Pour cette playlist disco, nous retenons le planant « Magic Fly » qui rivalisait alors sur les pistes avec le morceau « Souvenirs » d’un autre groupe français nommé Voyage. Un morceau qui demeure toujours très populaire en Russie ainsi que dans les ex-Républiques Soviétiques. D’ailleurs, durant toute la décennie 80 et dans une posture à la limite du plagiat, un groupe letton du nom de Zodiac suivra la brèche ouverte par Didier Marouani. Outre-Atlantique, le canadien Mort Garson produisait quant à lui l’obscur Captain D.J. en 1978, avec un titre nommé « Disco UFO ».

The Best Disco in Town est un morceau medley, regroupant des hits made in Philadelphia. Le trio féminin est produit en 1976 par Henri Belolo et Jacques Morali. Deux français dignes représentants de la vague disco, et seront bientôt inspirés par un nouveau projet: celui des Village People.

N’allez pas croire que ces gars sont italiens…Ce sont des belges. En revanche, ils donnent une sacrée frite sur le dancefloor !

Parmi tous les tubes américains de la période disco, Y.M.C.A. est peut-être la chanson la plus attendue pour faire danser en soirée. Si le groupe se démarque en arborant des costumes de cow-boy, d’ouvrier ou de G.I., c’est surtout sa chorégraphie des lettres mimées qui ne cesse de rassembler les générations. Depuis sa sortie en 1978, Y.M.C.A. figure parmi les incontournables des plus grandes compilations disco, confirmant son statut de classique de la culture populaire mondiale.

Une reprise du groupe Frankie Valli & The Four Seasons, parfaite pour lancer les débats sur la piste de danse. De sorte que nous l’indexons dans notre Top 5 playlist Disco.

Voici un remix respectueux de l’état d’esprit originel et qui, qui plus est, révèle la puissance d’un véritable hymne disco.

Parmi les titres les plus joués en mariage ainsi qu’en boom disco. Un monument populaire en somme.

Inutile de présenter ce titre fabuleux puisque rare seront ceux qui ne le connaissent pas.

Une bonne playlist disco se doit d’intégrer les courants nouveaux comme le nu-disco, aux accents festifs et volontairement kitch. Si les synthétiseurs des années 1980 y occupent un large spectre sonore, les lignes mélodiques sont très travaillées et permettront aux DJs d’aborder sereinement leur set disco, voire de le conclure. « Hypnotized » de Purple Disco Machine illustre parfaitement cette tendance Nu-Disco, ici teintée d’italo-disco. D’ailleurs le clip promotionnel, qui a fait un tabac en Italie, nous confine dans une ambiance rétro très 80s. Dans le même esprit, l’album « Infinite Disco » de Kylie Minogue, et daté de 2020, pourra contenter les friands du genre. Le label anglais Hed Kandi propose également un large collection nu-disco qui mérite oreille attentive.

Wheel Me Out, c’est un Mutant Disco dévastateur, produit en 1980. Sans nul le meilleur titre Disco que nous ayons entendu, mais qui ne fera hélas danser que des oreilles expertes.

Voici, pour ouvrir cette playlist, un classique sous-estimé du disco instrumental : New York’s Movin’ (1981). Alors que l’âge d’or touche à sa fin, la scène disco bascule vers l’underground, portée par des DJs comme Larry Levan au mythique Paradise Garage. D’aucuns diront que le morceau est répétitif et trop synthétique ; c’est justement ce qui fait son intérêt : une construction progressive, une orchestration rétro, un groove hypnotique qui préfigure la house à venir. On y retrouve l’esprit des soirées disco new-yorkaises avec ses longues montées ainsi que sa quête de transe collective. Une ambiance qui parlera surtout aux amateurs éclairés, et qui rappelle à quel point le disco a nourri la suite de l’histoire des musiques électroniques.

Un an après l’immense succès de « Hot Shot » co-écrit pour Karen Young, le duo AKB (acronyme d’Andy Khan et Kurt Borusiewicz) lance pour RSO Records un album ambitieux : Rhythmic Feet (1979). À la lumière de l’époque, le projet épouse pleinement l’élan disco de la fin des seventies. S’il a rapidement glissé hors de la mémoire collective, il abrite un unique hit qui concentre tout ce qui fait la magie du genre. Notamment en matière d’arrangements. De toute évidence, « Stand Up Sit Down » est une merveille trop peu citée en playlist disco, mais qui demeure absolument indispensable pour installer votre ambiance.

Étant donné que la Disco rime avec Groove et Harmonie, vous serez plus que probablement servis !

Derrière le projet El Coco se dissimule un duo assez méconnu du grand public : Laurin Rinder & W. Michael Lewis. Deux musiciens, auteurs de véritables chefs-d’œuvre sous le nom Seven Deadly Sins, et qui auront produit pas moins d’une vingtaine d’albums disco sur la période 1975-1985. Nombre de samples puisés dans leur répertoire ont alimenté la scène électro, au point d’intégrer, au fil du temps, la wantlist de DJs en quête de pépites rares. Avec ce quasi-instrumental « Afrodesia », le duo américain s’autorisait en 1977 une énième fantaisie sonore aux timbres exotiques. Une sonorité peut-être trop singulière pour contenter un large public,à l’image du célèbre « Wow » d’André Gagnon, mais qui pourra servir l’ambiance d’ouverture, voire conclure votre soirée.

Un autre duo de musiciens — canadiens, cette fois : Peter DiMilo et George Cucuzzella. Eux aussi ont connu, à la fin des années 70, une diffusion massive dans les clubs US, portés par le caractère spectaculaire de leurs percussions afro-tribales. Une approche très rythmique qui conviendra à un public éclairé, adepte de disco jam. Si vous préférez du disco chanté, sachez que le morceau de Pattie Brooks, « After Dark », présente une ressemblance suffisamment saisissante pour constituer une alternative parfaite.

Non que ce titre soit aujourd’hui un incontournable, mais il constitue une autre perfomance vocale d’exception.

Une performance vocale assez incroyable. Par ailleurs, un sentiment de plénitude s’empare de nous à l’écoute de ce hit US sorti en 1980.