Cette power ballad, sortie en 2003, a connu un grand succès international sans être beaucoup diffusée en radio. Son chanteur, Brad Arnold, déclarait que la chanson lui avait été inspirée par sa femme, qui lui manquait terriblement lorsqu’il devait partir en tournée avec son groupe. Un sentiment de solitude qu’il pouvait néanmoins combler grâce à la force du rêve.

Rêver jusqu’à ce que vos rêves deviennent réalité: voici en substance le message de ce tube qui accompagne en tournée Aerosmith depuis 50 ans. C’est en 1973 que le groupe de hard rock nous livrait l’une de ses plus belles chansons. Une power ballad écrite par son chanteur Steven Tyler, avec un Joe Pery mémorable à la guitare, et qui a été reprise depuis par Nazareth, Ronnie James Dio ou Slash (en duo). Figurant sur tous les greatest hits des « Bad Boys de Boston », tous les lives (Live! Bootleg sur vinyle, Rocks Donington 2014, Up In Smoke), mais aussi dans le célébre coffret Pandora’s Box (qui dissimulait l’album Pandora’s Toys), « Dream On » reste indissociable de leur parcours. Un parcours pourtant riche et rythmé par une collaboration improbable avec les rappeurs de Run DMC, par le succès monumental d’une autre ballade écrite pour la bande originale du film Armageddon, voire par la performance incroyable du titre Pink sur l’album « Nine lives » en 1997. Un vrai classique, donc, qu’il faudra se précipiter d’aller écouter à l’Accor Hotel Arena (Bercy pour les anciens), tant la prochaine venue du groupe sera sans doute la dernière…

Écrite, produite, et entièrement interprétée par Zakk Wylde en 2015, cette chanson puissante évoque la vie, mais aussi la mort.

Jeune, beau, sexy et redoutablement talentueux. Ainsi pourrions-nous définir Jon Bon Jovi qui, avec David Bryan, Tico Torres, Phil X et Hugh McDonald, formait l’un des groupes glam les plus en vue des années 80, voire des années 90. Au gré d’une quinzaine d’albums, parmi lesquels occupent une place de choix 7800° Fahrenheit (1985), Keep the Faith (1992), These Days (1995), Destination Anywhere (1997), Have a Nice Day (2005) ou encore The Circle (2009), Bon Jovi s’est toujours imposé comme un grand groupe de scène. Ce dernier aura réalisé plusieurs tours du monde, jouant à guichet fermé dans les salles de concert de Yokohama jusqu’à celles des plus petites contrées d’Europe, en passant par l’inévitable Madison Square Garden. En France, c’est surtout le tube « Always » qui a permis à ce dernier d’atteindre une grande popularité. Une ballade rock intense, au succès immédiat, et figurant sur tous les best of slows lors de sa sortie. Pourtant, la chanson ne figure sur aucun unplugged. Inspirée par le scénario d’un film qui fut finalement un navet, il y a fort à parier qu’elle ne représente qu’un épiphénomène pour ceux dont les groupies s’arrachaient pourtant le tee-shirt en 1994.

Une playlist populaire de chansons d’amour rock suppose une curieuse constante : l’influence et le poids médiatique du cinéma. Le grand public n’a pas forcément eu vent des duos magnifiques de Bryan Adams avec Luciano Pavarotti ou Tina Turner. Mais il connaît sans férir la ballade écrite par le chanteur canadien pour l’illustration du film Robin des Bois, prince des voleurs (1991). Un des singles les plus vendus de tous les temps, immortalisé en live avec Céline Dion et qui fait toujours partie du tour de chant de l’artiste en concert.

Le glam metal résiste assez mal au temps qui passe. À l’exception, peut-être, des ballades aussi grandioses que celle-ci. Les arrangements sont tout simplement divins.

Une très belle ballade que Chris Martin édifie au rang d’hymne en 2002, à la fois émouvante par son ambiance crépusculaire au piano, et puissante de par ses arrangements après le premier refrain. Cette dernière évoque les filles ou l’amour vain qui occupe une place irrationnelle dans l’esprit. « The Scientist » est un classique du groupe britannique, qui est généralement joué lors de ses concerts depuis sa sortie.

Depuis la fin de l’aventure Led Zeppelin, Jimmy Page semblait tourner en rond, nostalgique des années fastes et de « Black Beauty » (sa Gibson Les Paul noire volée en 1970). Le guitar hero amorcera, en 1993, un réel retour aux affaires aux côtés d’un autre briscard qui ne fut autre que la voix de Deep Purple et du groupe Whitesnake : David Coverdale. Si cette collaboration ne vaudra jamais un album avec Robert Plant, elle aboutira néanmoins à quelques pépites comme ce « Take Me for a Little While » qui ravira les romantiques amoureux de rock’n’roll.

Une mélodie envoûtante d’Amy Lee, au piano, sur un tempo lent. Un arrangement de cordes saisissant. Et enfin, des paroles qui évoquent l’esprit d’un défunt qui nous accompagne et qui ne nous abandonnera pas tant que nous ne l’avons pas décidé. La chanson est extraite de l’album Fallen, sorti en 2003, et qui incluait également le sublime « Hello ».

Nuno Bettencourt à la guitare acoustique et Gary Cherone au chant. À travers cette douce ballade, les deux artistes attirent l’attention de l’auditeur quant au sens du mot « Je t’aime », qui perd son sens au fil du temps. Selon ces derniers, il y a d’autres manières d’exprimer son amour. Le montrer par les actes, notamment.

Chanson de danse de mariage par excellence, « Love of a Lifetime » sonne comme un hymne sincère à destination de toutes celles et ceux qui rêvent de trouver enfin leur moitié. Une chanson d’amour rock par excellence, où cheveux longs et fils de guitares électriques se tutoyaient encore au cours de l’été 1991.

Ce slow rock, enregistré en 1984, glorifie l’amour. Un sentiment fort, pouvant être aussi heureux que destructeur. À chacun de reconsidérer sa manière d’aimer afin d’en subir le moins possible. Une chanson majeure pour un groupe anglo-américain moins en vue, malgré une actualité toujours vive.

C’est l’illustre Axl Rose, contre la volonté de Slash et Duff McKagan, qui est à l’origine de cette ballade épique de presque neuf minutes. Fort d’un message optimiste, visant à assurer qu’il existe toujours un moyen de surmonter les écueils qui accompagnent le plus souvent la vie amoureuse, Guns N’ Roses décuplait, en 1992, l’intérêt de la gente féminine pour son hard rock né en Californie presque une décennie avant.

De retour aux affaires, après le bide monumental de son précédent opus, Kiss créait la surprise de l’année 1982 avec Creatures of the Night. L’album renferme le voluptueux « I Still Love You », sur lequel Paul Stanley livre tout son être, aux côtés de la langue bien pendue de Gene Simmons.

Metallica signait en 1992, à travers « Nothing Else Matters », la chanson d’amour rock par excellence. Écrite dans une période de dépression, James Hetfield évoque une petite amie qui lui manquait alors qu’il sillonnait les routes du globe.

Une valse folk, dépouillée de tout artifice mais chargée d’une mélancolie qui ne laisse personne indifférent. L’histoire raconte que Neil Young aurait écrit cette chanson, en 1970, après une rupture entre son acolyte Graham Nash et l’iconique Joni Mitchell. Libre à chacun de se l’approprier, tant elle tend vers l’universel.

On ne présentera plus le groupe Queen, qui fut l’un des plus grands sur la scène rock britannique, sinon parmi l’un des plus grands tout court. Pour le film Highlander (1986), le guitariste Brian May écrivait cette magnifique ballade nommée « Who Wants to Live Forever ». Un slow rock puissant, qui nous questionne sur la valeur d’une vie éternelle. Comment l’apprécier au regard de l’amour, qui demeure un sentiment éphémère, ou face à la mort inéluctable de ceux que nous aimons ?

Classique épique parmi les classiques, qui dissimule à peine une déclaration d’amour. En l’occurrence, celle d’un homme à l’égard de celle qui l’a quitté. Probablement la chanson d’amour rock la plus aimée par le public français.

Groupe sud-africain dans la mouvance grunge de Nirvana et autres Alice in Chains, Seether s’exporte aux États-Unis en 2002. Une séquence qui inspire le titre « Broken » à son chanteur Shaun Morgan. Il s’adresse alors à son épouse, qui a refusé de l’accompagner dans sa nouvelle aventure. Un divorce, mais aussi une rupture de sa famille, qui deviendra un premier succès musical en radio. Le duo ultérieur avec Amy Lee, la chanteuse d’Evanescence, ne sera qu’une idée opportuniste de sa maison de disques.

À l’exception du groupe Rush et de la chanteuse Alanis Morissette, le rock canadien semble confiné à un certain anonymat sur le plan international. Mais il y a parfois eu de belles surprises, comme les jeunes de Three Days Grace qui nous gratifiaient en 2006, et à travers l’album One-X, d’une véritable bombe post-grunge. Leurs riffs devenus presque cultes céderont par la suite à des compos plus dispensables. On retiendra toutefois ce « Last to Know », chanson de rupture amoureuse et objet de notre sélection musicale du jour.

Si elle représente l’une des chansons les plus connues de U2, « With or Without You » est une sorte de chanson d’amour assez difficile à cerner. Bono semble y évoquer une relation conflictuelle entre la musique et lui, mais aussi entre lui et sa vie maritale. Mais derrière des intentions romantiques, et qu’il conviendra à chacun d’interpréter, se glisse une dimension spirituelle, voire religieuse, plus équivoque encore. Dans tous les cas, voici l’une des plus belles chansons d’amour rock / pop que nous aurons à vous présenter à travers cette playlist.

Mike Tramp, chanteur dano-américain de White Lion, replonge dans la naïveté de l’enfance. Celle qui développe une profonde aversion pour l’injustice et la guerre qui tue les hommes. Un slow hard rock 80’s idéaliste, simple mais puissant.

Quelque peu oublié du grand public, Whitesnake était pourtant l’incarnation du hard rock années 80 par excellence. Les musiciens anglais en accumulaient tous les clichés, depuis leurs mines de playboys aux cheveux permanentés jusqu’au slow langoureux calibré pour les radios. Il n’en demeure pas moins que « Looking for Love » est une réussite artistique à tout point de vue. Une chanson d’amour rock touchante.

D’abord perçu comme un groupe de metal symphonique, voire gothique, le groupe néerlandais opère depuis ses débuts de nombreux changements de direction musicale. Il défie ainsi les stéréotypes, surtout en quête d’un public toujours plus large. « Somewhere » conclut le troisième album de Within Temptation. Une chanson de 2004, donc, sur laquelle Sharon den Adel semble chanter l’amour d’une mère pour son enfant. Ce dernier, qu’elle semble avoir perdu…

Entre 1979 et 1986, c’est un heavy metal aussi puissant qu’incisif que Wolf Hoffmann et ses compères ont su distiller à leurs fans. Depuis Lady Lou, le groupe allemand a su explorer le champ des possibles afin de justifier une poignée de chefs-d’œuvre tels que l’album Breaker en 1981 ou Balls to the Wall, LP sorti en 1984. Son génial guitariste Herman Frank ne participera pas à l’aventure Metal Heart de 1985. Album marquant pour son orientation plus mélodique et empreint de nombreuses références au classique (notamment le célèbre « Für Elise » de Beethoven). La formation au logo inoubliable cherche alors la voie d’un rock commercial, plus orienté FM. Une obsession qui aboutira à des remaniements, puis à une première pause, se cristallisant par la sortie du CD live de leur concert à Osaka, mais qui en suivra bien d’autres par la suite. La chanson « Amamos La Vida », produite en 1993, ne constitue pas une chanson d’amour rock sentimentale à proprement parler. Il s’agit ici d’un hommage rendu aux enfants des bidonvilles qui s’accrochent toujours à la vie, malgré leur condition de misère. Une chanson vibrante cependant, qui vient étoffer une collection de tubes qui se poursuivra avec « Shadow Soldiers », « Kool Aid », et toujours en 2021 puisque l’album Too Mean to Die trahit un groupe rich & famous, certes, mais qui n’a toujours pas dit son dernier mot.

En 2012, le très jeune groupe texan de metalcore dévoilait au public son univers singulier et romantique. Des débuts assez prometteurs, souffrant de bien des lacunes, mais qui exploraient le thème de l’amour autour des notions du bien et du mal.

Du metal symphonique néerlandais, qui fut l’une des belles surprises de Roadrunner Records en 2006.

Chanson d’amour rock pop absolument inévitable, pour qui sillonne les routes de l’Hexagone en compagnie des ondes FM, « Sacrifice » s’inscrit également parmi les plus grands tubes de l’icône anglaise. Comme à l’accoutumée, c’est Bernie Taupin à la plume. Le parolier aborde la difficulté de gérer le couple au quotidien, face à la routine, aux contingences, ainsi qu’à l’âge qui rappelle à tout un chacun la précarité de la vie. Assez réussi, le clip vidéo, tourné en 1989, mettait en scène Yasmeen Ghauri et le chanteur Chris Isaak, dont nous aurions pu citer ici la merveilleuse chanson « Wicked Game ».

Le monde entier connaît l’hymne des stades « The Final Countdown ». Mais qui sait réellement que la chanson fut signée par un groupe suédois, se nommant qui plus est Europe ? Qui pourrait citer ne serait-ce que le nom d’un seul membre de la formation scandinave qui, avouons-le clairement, n’appartient que de très loin à la mémoire collective. Pourtant, ici, le potentiel mélodique est assez incroyable et les ballades sont tout autant de classiques, étoffant un répertoire toujours ouvert. N’en témoigne que ce « Dreamer », très eighties, et fort agréable dès l’écoute de ses premières notes de piano.

Groupe basique de metalcore, porté par la ravissante Maria Brink, In This Moment se démarquait en 2008 en cumulant tous les clichés du genre. Bien évidemment, la ballade était de mise et elle est mielleuse à souhait. Régalez-vous, même au troisième degré.

Dès leur premier album de 1980, Bruce Dickinson, Janick Gers et leurs comparses d’Iron Maiden frappaient un grand coup sur la scène heavy metal. La production du disque était assez punk, le groupe assez limité techniquement au regard de ses performances sur « Killers » ou « Trooper », mais les classiques étaient déjà au rendez-vous. N’en témoigne que ce planant « Strange World », à faire pâlir les maîtres en matière de ballade que fut alors le groupe Scorpions.

Stairway to Heaven n’est pas seulement l’une des chansons les plus abouties de Led Zeppelin, elle figure de toute évidence parmi les plus grandes de tous les temps. Un hymne rock long de 8 minutes, sans refrain, et ponctué par un solo de guitare devenu légendaire. L’auditeur est saisi dès l’ouverture paisible en arpège folk. Celle-ci est marquée par le mouvement de flûtes à bec ouvrant la voie à un Robert Plant sensible. Et bien que les paroles laissent place à toute forme d’interprétation, nous sommes cependant loin de la grande chanson d’amour rock. Stairway to Heaven semble évoquer une femme parvenant à obtenir tout ce dont elle pourrait espérer de meilleur, mais qui semble n’avoir aucune forme de gratitude en retour. L’échelle paradisiaque qu’elle emprunte est mystérieuse, abreuvant toute rumeur de mysticisme, voire de satanisme. Nous retiendrons, quant à nous, un classique que les amateurs de rock aiment entendre, et qu’ils plébisciteront pour de longues années encore.

Depuis les années 1980, le groupe new-yorkais distille un heavy metal traditionnel, accentué par une puissance sonore rarement égalée sur scène. L’imagerie est généralement guerrière, à travers des récits épiques et fantastiques. Mais au-delà des compositions assez peu accessibles au public profane, Manowar aura su, comme bien d’autres, nous livrer une série de ballades intemporelles. « Master Of Wind » est l’une d’entre elles. Une chanson introspective, contemplative, aux mélodies mélancoliques, qui sollicite la sagesse de l’auditeur. Une fois de plus, nous ne sommes pas dans un slow rock qui parle d’amour, mais dans une expérience spirituelle d’une assez rare intensité.

Ayant bâti son succès patiemment et discrètement, R.E.M. arrivait à son apogée lors de la sortie de son album Automatic for the People en 1992. Un petit chef-d’œuvre sombre, rempli de ballades aux mélodies tristes et envoûtantes. « Everybody Hurts » est l’une d’entre elles. Un message simple et magnifique, à l’endroit des jeunes dépressifs. L’impact de la chanson sera finalement universel et planétaire. Et bien des larmes ont coulé à son écoute, surtout parmi un public non initié à la langue anglaise.

En dépit de ses faux airs de chanson d’amour rock, « No Surprises » ironise sur notre sort. Celui d’individus résignés à une vie prévisible, de routine, et que Radiohead dépeint dans une ambiance parfaitement mélodieuse. Un petit bijou des années 90.

L’alchimie artistique entre deux monstres sacrés que sont Ritchie Blackmore et Ronnie James Dio. Vous voici saisi par les frissons, envoûté par une ballade à la fois puissante et mystique. Quelle performance !

Éminent représentant du Neue Deutsche Härte, Rammstein est le groupe germanophone le plus vendu dans le monde. Derrière ce mélange agressif de guitares et de sons électroniques, ce goût acerbe pour la provocation, se cache l’une des plus belles ballades enregistrées à ce jour par un groupe de metal industriel.

Le rock latino de Santana et sa ballade instrumentale, qui demeure toujours l’une des plus romantiques du genre.

Le metal chrétien de Memphis distille des riffs exceptionnels, surtout lorsqu’il est porté par le groupe Skillet. Et si la langue anglaise ne vous est pas étrangère, vous pourrez sortir vos mouchoirs avant l’écoute de cette chanson.

Hit de l’été 1994, « Black Hole Sun » ne véhicule pas vraiment d’idée. Son auteur, Chris Cornell, dépeignait seulement une ballade mélodramatique, superposant des mots tels des paysages surréalistes. Par ailleurs, sa mélodie nostalgique semble laisser libre cours à toute forme d’interprétation, qu’elle soit d’ordre sentimental ou autre…

Derrière ce side-project plus accessible au grand public, l’excellent Corey Taylor s’affranchissait un tant soit peu du néo-metal extrême de Slipknot. Il signe même, en 2011, une ballade inespérée et qui contribuera à la bande originale du blockbuster Spider-Man. Une chanson triste, dans laquelle il admet avoir perdu le contrôle de sa vie, dominé par un autre moi qui est sans nul doute son personnage masqué de Slipknot. Mais, en dépit de bien des erreurs commises, le chanteur surdoué n’abandonnera pas et continuera à avancer.

Après le départ de sa frontwoman Alissa White-Gluz, partie remplacer Angela Gossow au sein du groupe Arch Enemy, The Agonist n’ont eu d’autre choix que de changer de voix. C’est Vicky Psarakis qui viendra à la rescousse de Danny Marino et sa bande de métalleux. Elle mettra en avant son talent dans ce sympathique « A Gentle Disease » de 2015, relevant davantage d’un interlude musical que d’une véritable chanson d’amour rock.

Difficile d’oublier ce groupe de rock alternatif, porté par le yodel si distinctif de Dolores O’Riordan. La chanteuse irlandaise se remémore, avec nostalgie, son enfance simple et heureuse, entourée des siens.

Ça sonne comme une belle chanson d’amour, pleine de bons sentiments. Mais en réalité, la jalousie et la possessivité sont au cœur de ce titre écrit alors que Sting déplorait l’échec d’un mariage. Le chanteur y dépeint l’obsession de vouloir garder le contrôle sur l’amour qui s’en va, l’attitude toxique de surveiller ses faits et gestes… Tel Big Brother.

Une belle ballade coécrite par Mick Jagger et Keith Richards en 1973. Elle semble évoquer une rupture douloureuse. Mais le mystère plane autour de la personnalité féminine en question, et qui pourrait aussi être la dépendance à l’héroïne contre laquelle Richards luttait alors.

Après des débuts ponctués par un rock énergique et unanimement salué, ce groupe américain nous offrait une parenthèse inattendue. Un album, baptisé « Adore » (1998), aux mélodies sobres, baignant dans une atmosphère particulièrement intimiste et poétique. Cet opus renferme ce sublime « Annie-Dog ». Le chanteur Billy Corgan s’y montre aussi mélancolique que mystérieux, évoquant une prison métaphorique qui pourrait être l’incarnation d’une femme. Une femme capable d’assouvir ses désirs les plus profonds. Mais le chanteur résiste, semblant faire face à des luttes intérieures. Complexe et captivant à la fois…

On ne présente plus The Who et son guitariste légendaire à l’origine de cette chanson. Laquelle lui fut inspirée par une groupie, au sortir d’un concert, et qu’il se refusera d’emmener dans sa chambre d’hôtel… Un faux slow qui plaira à certains couples, débutant en effet sur des harmonies éthérées avant de se transformer en un rock & roll dévastateur.

Un doux déluge de violoncelles et la voix plaintive de Andy Cairns reprennent, de manière absolument improbable, un classique de Hüsker Dü. Un fameux groupe punk hardcore dont nombre de héros rock des années 90 se revendiquaient en termes d’influence musicale. Le nom de Diane, qui est scandé dans ce morceau, n’est pas celui d’une partenaire amoureuse. Diane Edwards fut l’ultime victime d’un tueur en série nommé Joseph Ture Jr.. Une chanson d’amour en apparence, mais qui n’en est pas vraiment une, en somme…

Jusqu’au début des années 2000, la scène métal polonaise était perçue comme assez extrême. Des groupes comme Behemoth ou Hate (auteur de l’album Rugia en 2021) occupent d’ailleurs toujours l’actualité musicale. D’autres, comme Unsun, tenteront de développer un metal gothique à vocation plus commerciale. Dans la lignée des Lacuna Coil, Evanescence ou Nightwish, le groupe Unsun sera probablement le plus connu d’entre eux. La pétillante Anna Stefanowicz n’est bien évidemment pas étrangère à ce succès. Sa voix s’illustre par ailleurs dans cet intimiste « The Last Tear », peut-être moins abouti musicalement.

Héros de la musique heavy metal des années 80, W.A.S.P. semblait rendre un hommage appuyé au groupe sudiste Lynyrd Skynyrd, lequel fut décimé après un accident d’avion en 1977, et qui coûta notamment la vie à son chanteur Ronnie Van Zant. Faisant écho à la ballade « Free Bird », toujours considérée comme l’une des plus grandes performances rock à ce jour, « Forever Free » s’inscrit dans la continuité des slows qui se terminent en cavalcade de guitares…